Muere el musicólogo José Luis Pérez de Arteaga

Era la voz de la retransmisión del Concierto de Año Nuevo para TVE y presentaba y dirigía «El mundo de la fonografía» en Radio Clásica.

El crítico y musicólogo José Luis Pérez de Arteaga ha fallecido a los 66 años. Para muchos era la voz del Concierto de Año Nuevo de TVE. Una voz que se ganaba de inmediato la confianza del oyente y que atesoraba una erudición pasmosa pero nunca pedante, capaz de iluminar el detalle más insignificante con una anécdota reveladora. Este conocimiento musical amplísimo encontró su expresión ideal en el programa «El mundo de la fonografía», un espacio que se centraba en el área del sonido grabado, en novedades discográficas, producciones históricas y a conmemoraciones y efemérides, siempre evocadas a través de registros fonográficos. El programa se emitía en Radio Clásica, donde Pérez de Arteaga trabajó durante más de 30 años y desde la cual formó a generaciones enteras de melómanos. Entre sus grandes pasiones cabe recordar la música de Mahler, autor del que dominaba todas las partituras, amén de su abrumadora discografía. A la figura del compositor austríaco dedicó Pérez de Arteaga varios ensayos que culminaron en la monografía publicada en 2011 por la Fundación Scherzo. Pérez de Arteaga fue también un infatigable animador de la vida musical madrileña y española. De una idea suya y de Xavier Güell surgió el «Proyecto Gerhard», nombre de una orquesta y de un ciclo musical que contribuyeron a difundir la creación musical contemporánea en su faceta más vanguardista.

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Muere el director de orquesta Neville Marriner

El británico seguía en activo a los 92 años. Hizo más de 600 grabaciones, entre ellas la banda sonora de la película ‘Amadeus’.

Lo conocía todo aficionado a la música clásica y seguro que muchos tienen más de un disco suyo por casa. Sir Neville Marriner (Lincoln, 1924 – Londres, 2016) era historia viva de la música británica. Un violinista inglés que formó una orquesta de cámara hace casi sesenta años, la Academy of St.-Martin-in-the-Fields (ASMF), y se convirtió en uno de los músicos más prolíficos de toda la fonografía. Más de 600 discos con unas 2.000 composiciones diferentes; una marca quizá solo superada por Karajan. Pasó del atril de concertino al podio de director tardíamente, pero todavía seguía en activo batuta en mano. Su vitalidad, frescura y humor contradecían su edad. Pero el milagro lo obraba la música a la que sirvió hasta el final. Falleció en la madrugada de ayer, a los 92 años, dos semanas antes de su próxima actuación en Ibermúsica. (…)

El País | Pablo L. Rodríguez –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Marni Nixon, la voz fantasma de los grandes musicales

(…) Detrás de las voces de Deborah Kerr en el musical El rey y yo, o de Natalie Wood en West Side Story o Audrey Hepburn en My Fair Lady siempre estaba ella, la encargada de doblarlas en las canciones de los musicales. A lo largo de los años cincuenta y sesenta Nixon será esa figura invisible que los productores esconden en sus títulos de crédito, un secreto que todo Hollywood conoce pero que la industria oculta como si se tratara de un tabú. (…)

A lo largo de su carrera profesional Nixon se refirió no sin cierta amargura a que el público americano la conociera por su voz pero no por su rostro. Unos contratos abusivos la obligaban a mantenerse en el anonimato bajo amenazas de no volver a trabajar en la industria del cine. Con su destacada y en el futuro reconocible voz de soprano, Marni Nixon, cuyo verdadero nombre era Margaret Nixon McEathron, comenzaría desde muy joven su carrera musical. A los 17 años debutaba con la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Leopold Stokowski. No tardará en ser reclamada por Hollywood como voz para el doblaje de las estrellas juveniles. (…)

Marine Nixon había nacido el 22 de febrero de 1930 en Altadena, California. A los 86 años moría el pasado martes en Nueva York a consecuencia de un cáncer de pecho. Con el título I Could Have Sung All Night publicaba sus memorias en 2006.

El País | Carles Gámez –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA

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Muere Nikolaus Harnoncourt, el gran iconoclasta de la música clásica

Cuando el pasado 5 de diciembre, en la víspera de su 86 cumpleaños, Nikolaus Harnoncourt anunció su retirada de los escenarios por medio de una nota manuscrita en la que cancelaba todos sus futuros compromisos, sabía muy bien lo que estaba haciendo. Algo parecido había hecho cuatro años atrás —de forma más privada y comedida, en consonancia con su carácter— su amigo y colega Gustav Leonhardt pocas semanas antes de morir. Los dos siguieron volcados en la música hasta apurar el último gramo de esas “fuerzas corporales” invocadas por Harnoncourt en su adiós. Ahora, con su muerte el sábado por la noche, la despedida de la que él llamó entonces la “comunidad de descubridores” que creó junto con sus oyentes es —tristemente— definitiva. (…)

Pocos llegan al último viaje con un legado tan rico, noble y sincero como el de Nikolaus Harnoncourt, muchas de cuyas reflexiones se hallan plasmadas asimismo en sus libros, dos de ellos traducidos en nuestro país: El diálogo musical (Paidós) y La música como discurso sonoro (Acantilado). (…)

El País | Luis Gago –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Un mundo llega a su fin

(…) Pierre Boulez, que falleció el martes 5 de enero, fue un revolucionario musical de posguerra decidido a dar un portazo al pasado, lo cual incluía a los compositores modernos radicales que fueron sus mayores influencias. A finales de la década de 1980, me dijo: “La historia de la música empieza con Bach y pasa por Haydn, Beethoven, Wagner y Mahler, para luego, a través de Schönberg y Webern, llegar a Stockhausen y a mí. El resto es irrelevante”. Su certeza era inquebrantable y su arrogancia casi humilde. Rechazaba a Mozart por “trivial” y a Shostakovich por “reaccionario”. (…)

Las obras más importantes por las que será recordado son, sobre todo, orquestales: El martillo sin dueño, Pliegue a pliegue, Ritual (in memoriam Bruno Maderna) y Responso. De muchas de estas obras existen varias versiones revisadas obsesivamente. Mantuvo largas relaciones con la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Sinfónica de Chicago, el Festival de Lucerna y la Orquesta Sinfónica de Londres.

El País | Norman Lebrecht –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Muere Pierre Boulez, uno de los grandes músicos del siglo XX

La muerte ha alcanzado a uno de los más grandes nombres de la cultura del siglo XX: Pierre Boulez. Le han faltado solo dos meses para alcanzar los 91 años, pero lo esencial de su leyenda se sitúa en el siglo XX, el siglo moderno. Había nacido en la localidad francesa de Montbrison el 26 de marzo de 1925 y falleció el martes en la ciudad alemana de Baden-Baden, donde mantenía su residencia desde los años sesenta.

Pese a ello, Pierre Boulez ha sobrevivido a la casi totalidad de sus compañeros de aventura en la conformación de la música de vanguardia. Karlheinz Stockhausen había fallecido en 2007; Luigi Nono, en 1990; Luciano Berio, en 2003; y György Ligeti, en 2006. Era, pues, el último de la brillante generación de Darmstadt, nombre de la ciudad alemana en la que se probaron los jóvenes de la posguerra en un Festival acogedor para la revuelta e irrepetible en nuestros días. (…)

A la hora del balance queda claro que su reputación en la historia se construirá sobre la composición. Su hercúlea carrera como director de orquesta, su omnipresencia en la creación y gestión de instituciones musicales, su afilado carácter como polemista y ensayista, sus controversias, no pocas veces ácidas, y en fin, la espuma de su temperamento creador dejarán paso a una reputación que se reservará a lo que siempre queda y atraviesa el tiempo: su música. (…)

El País | Jorge Fernández Guerra –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Sinatra, cien años de la voz que no se apaga

Con su perfecto instinto musical, su fanfarronería galante y su impecable sentido de la elegancia, Frank Sinatra cautivó al público del siglo XX como muy pocos artistas.

Sinatra, un cantante que definió tan bien su oficio hasta el punto de ser apodado simplemente ‘La Voz’, volvió locos a los jóvenes de los años 40, cuando él se convirtió en el primer robacorazones de la cultura pop. Incluso hoy, 17 años después de su muerte, el fenómeno llamado entonces ‘Sinatramanía’ se mantiene vivo hasta el extremo de que el cantante aún tiene un puesto de honor en el imaginario público. Este sábado se cumplen 100 años desde el nacimiento de Sinatra en el poblado de clase obrera de Hoboken en New Jersey, cerca de Nueva York. (…)

El Diario Montañés | Colpisa/AFP –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Hollywood llora al compositor de “Titanic”, “Braveheart” y “Avatar”

Dos veces ganador del Oscar, por la banda sonora y la canción de “Titanic”, el compositor y director de orquesta estadounidense James Horner, cuya avioneta se estrelló este lunes en el área de Santa Bárbara, deja un vacío muy importante en el olimpo de la música cinematográfica. Trabajó desde en producciones de serie “B” producidas por Roger Corman a las más caras superproducciones, y no dudó en asumir partituras para sagas ya iniciadas por otros, como las de “Star Trek”, “Spiderman” o “Alien”. Su último trabajo ha podido ser para el drama de los mineros chilenos “Los 33”, y deja posiblemente inacabadas las partituras de la segunda y tercera parte de “Avatar”. (…)

Nacido en Los Ángeles el 14 de agosto de 1953, y formado en Inglaterra y Estados Unidos, Horner, pianista desde los 5 años, trabajó como compositor de bandas sonoras de películas durante más de 30 años, dejando tras él más de 150 partituras de otras tantas cintas. Fue nominado al Óscar en el apartado a la Mejor Banda Sonora en ocho ocasiones: “Aliens, el regreso” (1986), “Campo de sueños / Field of Dreams” (1989), “Braveheart” (1995), “Apollo 13” (1995), “Titanic” (1997), “Una mente maravillosa / Una mente brillante / A Beautiful Mind” (2001), “Casa de arena y niebla / House of Sand and Fog” (2003), y “Avatar” (2009), consiguiéndolo doblemente con “Titanic” tanto en el apartado a la mejor música como a la mejor canción. (…)

CineyTeatro.es-NOTICINE.com –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Fallece la subdirectora general de CulturArts Música, Inmaculada Tomás

La subdirectora de CulturArts Música, Inmaculada Tomás, falleció a los 65 años la noche del sábado después de luchar contra una larga enfermedad durante meses. Tomás era la responsable del organismo de la Generalitat dedicado a la música desde 1999.

Tomás, que era hermana del exrector de la Universitat de València Francisco Tomás, era licenciada en Ciencias de la Información. Formó parte del equipo del área de Música del antiguo Instituto Valenciano de las Artes Escénicas, Cinematografía y Música (Ivaecm), donde fue jefa de producción de la Jove Orquestra de la Generalitat y directora artística del Festival de Música Antigua de Peñíscola. En 1999, el entonces conseller de Cultura Manuel Tarancón la designó directora del Instituto Valenciano de la Música (IVM), función que ha desempeñado hasta ahora. Cuando en 2013 el organismo pasó a integrarse en CulturArts en forma de subdirección, Tomás continuó con sus responsabilidades al frente, como subdirectora. Tomás fue operada en 2014 para combatir la enfermedad, contra la que continuó luchando en los meses siguientes.

El mundo de la música lloró ayer la pérdida de Tomás y desde la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana la calificaron como una figura «clave y destacada en la defensa de la música valenciana en los últimos 16 años». La federación, en nombre de sus 547 sociedades musicales , expresó sus condolencias a sus familiares, amigos y compañeros y destacó su contribución al desarrollo de patrimonio musical valenciano. Por su parte, la portavoz del Consell y consellera de Educación, Cultura y Deporte, María José Català, aseguró ayer, a través de un obituario, que «la música valenciana está de luto». El fallecimiento de Tomás en una fecha tan señalada como el Día Europeo de la Música «es más que significativo y acrecienta, si puede ser, la dimensión de su destacada figura en el panorama musical valenciano». «Quiero destacar, además de su gran profesionalidad, entrega y dedicación, su interés personal por potenciar la creación musical y su interpretación en la Comunitat Valenciana». «Su trabajo al frente de la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana ha permitido el desarrollo de un proyecto educativo único y pionero en esta comunitat. Su decidido apoyo al Cor de la Generalitat Valenciana ha posibilitado su profesionalización y que el Palau de les Arts cuente con una de las mejores agrupaciones corales del Estado y de Europa», dijo Catalá. (…)

Levante-EMV | A.G. –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / COMUNIDAD VALENCIANA

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El guerrero del jazz

Por una vez, unanimidad: hemos visto una catarata de despedidas a Juan Claudio Cifuentes. Se ha repetido que era un enorme comunicador y una bellísima persona. Con o sin micrófono, compartía generosamente los conocimientos de una vida entera consagrada al jazz.

Con todo, se infravalora lo que finalmente le hacía único: su compromiso estético y, aún diría más, ético. Su voz afable escondía un espíritu férreo. Su disidencia destapaba el pensamiento blando que reina en la radio, incluyendo la radio pública. Era un creyente en un panorama dominado por las veletas. Luchaba contra la banalización de la palabra jazz. Se le llevaban los demonios cuando los grandes festivales se transformaban en escaparates de músicas variadas. Usaba un símil gastronómico: “si voy a un restaurante chino, me preocuparía que en la carta también ofrecieran espagueti”.

No se confundan: amaba músicas alejadas del jazz. Cuando participó en aquel ciclo autobiográfico llamado La Música Contada, se llevó discos de Beatles, Stones, Dylan, Serrat y Crosby, Stills & Nash, aparte de dosis de soul y chanson (coincidió en París con el esplendor de Brel o Brassens). Pero detestaba los engaños. Esas muchachas de piernas largas, esos jovencitos esbeltos que misteriosamente aparecen en venerables sellos de jazz… y descubrías que allí solo había otra cantautora más o un candidato a actuar en Las Vegas. Aspiración legítima pero, por favor, que no lo vendan bajo la sagrada etiqueta. (…)

El País | Diego A. Manrique –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / MADRID

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Muere ‘Cifu’, la voz radiofónica del jazz

Juan Claudio Cifuentes dirigió influyentes programas radiofónicos como ‘Jazz porque sí’

Lo que siempre nos pareció inconcebible ha sucedido: Cifu nos ha dejado. El pasado lunes 9 de marzo, fue ingresado en el hospital Nuestra Señora del Rosario, de Madrid, a consecuencia de un ictus. Su fallecimiento ha sucedido esta mañana [por el 17 de marzo].

Cifu forma parte de la vida de muchos en este país, de cuando aquí no llegaban los discos de jazz, o de casi nada. Uno tenía que escucharle para saber cómo sonaban Coltrane, o Lee Morgan, o Art Blakey. Luego estaba que Cifu era como era, y uno no solo terminaba sabiendo cómo sonaba Coltrane sino cual era el color de los calcetines que usó en la sesión del 7 de marzo del 53, y si había desayunado café con leche y cereales y de qué marca los últimos. Pero él era así, y así le queríamos. (…)

El País | Chema García Martínez –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / MADRID

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Fallece Joan Garcés, el director musical más longevo del mundo

El maestro Joan Garcés Queralt ha fallecido en la localidad valenciana de Faura a los 100 años, según ha informado la corporación municipal. El músico logró a lo largo de su extensa carrera el Premio Ginnes al director más longevo del mundo. Garcés dirigió a la Unió Musical de Llíria, las Bandas Municipales de Castellón y Valencia, así como la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceo de Barcelona. (…)

El País –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / COMUNIDAD VALENCIANA

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Duhamel, la música de cine más triste

El compositor francés fallece a los 89 años.

Con permiso de Delerue y El desprecio, la de Antoine Duhamel -fallecido a los 89 años- para Pierrot le fou es, posiblemente, una de las músicas de cine más tristes y desgarradoras de todos los tiempos, un arrebatador fogonazo lírico con apuntes expresionistas cargado de tensión y emoción románticas para acompañar la huida de Belmondo y Karina por las carreteras de una Francia filmada en los tres colores de su bandera. (…)

Con aspecto de científico loco, tan cercano al lenguaje musical del siglo XX (fue alumno de Messiaen) como a la música popular, Duhamel (Valmondois, 1925) se cruzó con el cine en plena nouvelle vague, plataforma desde la experimentó nuevas vías músico-visuales junto a Truffaut (Besos robados, Domicilio conyugal, La sirena del Mississippi), Maurice Ronet (Le voleur du Tibidabo) o Jean-Daniel Pollet (Mediterranée), y se hizo un nombre en el cine francés que le reportaría nuevas colaboraciones, espaciadas entre trabajos para la sala de conciertos (entre ellos óperas y sinfonías), el teatro, la televisión o la enseñanza musical, con Betrand Tavernier (La muerte en directo, Daddy nostalgie, Salvoconducto) o Patrice Leconte (Ridicule).

Pero también encontró Duhamel una afectuosa acogida en el cine español de los 90 de la mano de Fernando Trueba, para quien compuso la inquietante música de El sueño del mono loco y las de Belle époque, La niña de tus ojos y El embrujo de Shanghai, su hermano David (La buena vida) o José Luis García Sánchez, que se benefició de su vertiente más luminosa y mediterránea en Tranvía a la Malvarrosa.

Diario de Sevilla | Manuel J. Lombardo –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Frans Brüggen, embajador de la música antigua

El virtuoso flautista holandés fundó en 1981 la Orquesta del Siglo XVIII

Los clásicos populares, esa expresión de doble filo que sirve para describir a los compositores más asequibles, pero también más repetidos, tuvieron un embajador de lujo en Holanda: Frans Brüggen, flautista y director, que acaba de fallecer a los 79 años. Precoz en su carrera, ya que le nombraron profesor a los 21 años en el Real Conservartorio de La Haya, fue de los primeros en atraer a los jóvenes a las salas de conciertos. Vestido de manera informal e interpretando con virtuosismo a Mozart con su flauta de pico (también tocaba la flauta traversa y el piccolo), le aplaudía un público entregado. Bien parecido, su estilo, con las piernas cruzadas e inclinado hasta formar un ángulo imposible sobre una silla, hizo furor entre sus colegas. Una vez elevada la flauta, que cayó prácticamente en desuso a finales del barroco, a pieza solista de categoría mundial, el músico se lanzó a la orquesta. Y cómo.

Su amor por los instrumentos originales y por el barroco le animó a fundar en 1981 la Orquesta del Siglo XVIII. El conjunto prepara este agosto su gira 121º, que abrirá con la ópera Cosí fan tutte, de Mozart, en Varsovia (Polonia). Formada hoy por 55 miembros de más de 20 países, todos especialistas en la música de los siglos XVIII y XIX, viajará a España en 2015 para interpretar El Mesías, de Haendel. Nada más anunciarse la pérdida del maestro, el conjunto colgó en su página de Web una foto que era un auténtico homenaje a la tenacidad mostrada durante sus últimos años, de gran deterioro físico. Llegó a dirigir en silla de ruedas. (…)

El País | Isabel Ferrer –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Muere Maazel, primer director de Les Arts

El director estadounidense e impulsor de la Orquestra de la Comunitat Valenciana fallece en EE UU de una neumonía a los 84 años. El músico acababa de inaugurar el festival Castleton en el que aseguró que trabajar con jóvenes era una «diversión».

El director de orquesta, compositor y violinista estadounidense Lorin Maazel falleció ayer a los 84 años en su domicilio de Castleton (Virgina, EE UU), informó el festival de esa localidad, del que era fundador y director artístico. Maazel murió a causa de complicaciones de una neumonía. Nacido en Francia en 1930 porque su padre, el cantante Lincoln Maazel, se encontraba allí estudiando canto y arte escénico, la familia se trasladó poco después a EE UU, donde el pequeño Maazel comenzó a estudiar música. El director, reconocido en todo el mundo, dedicó más de 75 años de su vida a componer.

Maazel estudió Filosofía, Matemáticas e idiomas y en 1951 obtuvo una beca para estudiar música barroca en Italia, donde tomó contacto con diversas agrupaciones musicales europeas. Sus trabajos en la catedral de la música wagneriana hicieron que en 1960 fuera considerado como el director de orquesta más joven de Europa y le llevaron a ser el primer director no alemán que en el festival de Bayreuth dirigió la ópera El anillo del Nibelungo de Richard Wagner. En el curso de su prolongada carrera profesional ha sido el responsable de más de 150 orquestas en no menos de 5.000 óperas y diversos espectáculos. Ha hecho más de 300 grabaciones, incluyendo ciclos sinfónicos de obras completas de Beethoven, Brahms, Debussy, Mahler, Schubert, Tchaikovsky, Rachmaninoff o Richard Strauss.

Maazel estuvo fuertemente vinculado a Valencia por ser uno de los motores del Palau de les Arts Reina Sofía, su primer director musical, e impulsor de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, de la que estuvo al frente desde 2006 hasta 2011, fecha en la que se despidió del coliseo con su obra 1984 y en la que se trasladó a la Filarmónica de Múnich. A mediados de junio pasado anunció que abandonaba la formación alemana por motivos de salud. Además, durante su carrera, Maazel ha sido director artístico de la Ópera de Berlín y manager del la de Viena, así como director musical de la Radio Symphony de Berlín, la Symphony Orchestra de Bavaria, la Pittsburgh Symphony, la Cleveland Orchestra, la Filarmónica de Múnich o la de Nueva York, con quien hizo una visita sin precedentes a Corea del Norte en 2008 para celebrar un concierto televisado internacionalmente en la televisión del país. Además, Maazel debutó en el Palau de la Música de Valencia en 1991, y fue en el auditorio valenciano donde dirigió ópera por primera vez en España con Luisa Miller, con la Orquesta y Coro de Múnich. (…)

Levante-EMV | B. Jorques –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL / COMUNIDAD VALENCIANA

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Fallece a los 84 años el maestro de la batuta Lorin Maazel

El mítico músico llegó a dirigir más de 150 orquestas y estuvo al frente, entre otras, de la Filarmónica de Londres, la de Nueva York, la Ópera de Viena y el Palau de les Arts de Valencia.

Tras un 2013 en el que ofreció 111 conciertos en todo el mundo, el pasado febrero aún tuvieron el privilegio de rendirse a la maestría de su batuta los privilegiados melómanos que acudieron al Palau de la Música de Barcelona a verle dirigir la Filarmónica de Múnich, que abandonó en junio por motivos de salud, ante un repertorio con Sibelius y Schumann. Estadounidense de origen francés, Lorin Maazel, quien estuvo al frente de más de 150 orquestas en al menos 5.000 actuaciones, también violinista y compositor, ha fallecido este domingo a los 84 años en Virginia, a causa de las complicaciones de una neumonía. (…)

El Periódico | Anna Abella –LEER AQUI LA NOTICIA DE MÚSICA / INTERNACIONAL / COMUNIDAD VALENCIANA

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El perfeccionista de la técnica

Lorin Maazel fue un director brillante que conquistó casi todas las cumbres musicales. Mago de la batuta desde la infancia, elogiado cuando tenía nueve años por Toscanini, aprendió todo lo que podía necesitar un músico para extraer grandes interpretaciones de orquestas de cualquier calidad. No había otro director más capaz que él de espolear a una orquesta cansada por los viajes y hacer que tocara como la Filarmónica de Viena; sobre todo, si era la Filarmónica de Viena. Su técnica ofrecía a los músicos una seguridad absoluta, y su conocimiento de la naturaleza humana les permitía sentirse arropados en todo tipo de circunstancias.

Maazel fue el primer americano, y seguramente el primer judío de la era moderna, que dirigió en Bayreuth, y después encabezó la orquesta de la radio de Berlín, sucedió a Georg Szell en la Orquesta de Cleveland y fue director de la Ópera de Viena, un puesto que en otro tiempo habían ocupado Gustav Mahler y Richard Strauss. La ambición de Maazel era insaciable. Cuando murió Herbert von Karajan, en 1989, estaba convencido de que iba a heredar la Filarmónica de Berlín. Cuando los músicos votaron por Claudio Abbado, juró que nunca más volvería a dirigirles. Fue nombrado director de la Filarmónica de Nueva York —”por fin, un trabajo de verdad”, dijo su padre— y luego de la Filarmónica de Múnich. Le adoraban en China y le adulaban en Japón. Y todavía quería más. (…)

El País | Norman Lebrecht –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Una mente musical privilegiada

Maazel dejó gran huella en sus años al frente de la Orquesta del Palau de les Arts de Valencia

Lorin Maazel dejó una huella imborrable en los cuatro años que estuvo al frente de la Orquesta del Palau de les Arts de Valencia. Fue él quien eligió en audiciones en diversas ciudades del mundo a los jóvenes intérpretes de la formación que se erigió, al cabo de unos pocos años, en la mejor orquesta de España, según la opinión de diversos críticos. En Valencia, además, hizo realidad uno de sus sueños, poner en escena su ópera 1984, basada en la obra de George Orwell.

Los músicos recuerdan al director, uno de los más cotizados del mundo, como un perfeccionista, cuya indiscutible autoridad musical se imponían sobre su carácter cambiante, difícil, que podía resultar excesivamente exigente. “Tenía una mente privilegiada, una inteligencia muy por encima de lo normal e irradiaba una seguridad en sí mismo en todo lo que hacía que infundía un gran respeto en la orquesta, a pesar de sus humor cambiante”, comenta Joan Enric Lluna, solista de clarinete de la formación de la ópera valenciana.

La intendente del Palau de les Arts, Helga Schmidt, fue la responsable de su contratación. “Maazel es uno de los grandes músicos de todos los tiempos. Un hombre de cultura universal. Inauguró en octubre de 2005 el Palau de les Arts Reina Sofía con una orquesta formada para esa ocasión por profesores únicamente valencianos de distintas orquestas del mundo. Y él, desde cero, formó la Orquestra de la Comunitat Valenciana con músicos de todo el mundo de una altísima calidad. Gracias, Lorin”, sentenció emocionada.

El País | Ferrán Bono –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL / COMUNIDAD VALENCIANA

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Muere el director de orquesta Lorin Maazel a los 84 años

Uno de los grandes músicos del siglo XX, fallece a los 84 años por una neumonía. Nacido en París en 1930, dirigió la Filarmónica de Nueva York y la Ópera de Viena.

Lorin Maazel falleció este domingo a los 84 años como consecuencia de una neumonía en Virginia (Estados Unidos). Director de orquesta, compositor y violinista dirigió las mejores formaciones musicales del mundo. Su prolífica carrera le llevó a dirigir más de 150 orquestas, dar 5.000 conciertos y grabar aproximadamente 300 trabajos de los mejores músicos de la historia. Aunque su repertorio musical es muy amplio, se le considera un especialista en Mozart, Beethoven, Mahler, Sibelius y Richard Strauss.

El prestigioso músico fue un niño prodigio cuya meteórica carrera le llevó a ser considerado en 1960 el director de orquesta más joven de Europa. Con solo nueve años dirigió la Orquesta de Interlochen en la Feria Mundial de Nueva York y la Filarmónica de Los Ángeles, donde compartió un programa con el famoso director de orquesta polaco Leopold Stokowski. Posteriormente se puso al frente de la orquesta del músico italiano Toscanini, la Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia. A los 16 ingresó en la Universidad de Pittsburg para estudiar Filosofía, Matemáticas e idiomas, al tiempo que actuaba como violinista en la Orquesta Sinfónica de la ciudad estadounidense. En 1951 obtuvo una beca para estudiar música barroca en Italia, donde contactó con diversas agrupaciones europeas. Dos años más tarde dirigió en la ciudad siciliana de Catania su primer concierto en Europa.

Su muerte es un golpe duro para la dirección de orquesta. En los últimos años se había instalado en Múnich después de su etapa al frente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana. En la ciudad del Turia puso en funcionamiento una orquesta que rozaba lo milagroso. Por calidad, por juventud, por entrega. Maazel era un director fuera de serie. Con irregularidades, desde luego, pero cuando estaba inspirado era difícil, por no decir imposible, de igualar. En Madrid se pudo comprobar el pasado mes de febrero con la Filarmónica de Múnich dentro de los ciclos de Ibermúsica. Sus versiones de la Segunda Sinfonía, de Sibelius, o de la Sinfonía Alpina, de Richard Strauss, fueron sencillamente insuperables. A mi modo de ver, los dos mejores conciertos sinfónicos del año en la capital.

De su época del Palau de les Arts Reina Sofía en Valencia han sido muchos los momentos inolvidables. Recuerdo en particular un Parsifal, de Wagner, que comenzó contenido en el primer acto, tocó la perfección en el segundo y se deslizó a las esferas de genialidad en el tercero. Pero podíamos citar muchos más ejemplos. Muy joven dirigió en Bayreuth y durante 11 años estuvo al frente de los populares Conciertos de Año Nuevo en Viena. Su técnica era prodigiosa, con un movimiento de manos impecable y con un dominio del diálogo entre secciones sonoras que pocas veces defraudaba. ¿El Messi de la dirección de orquesta? Probablemente. (…)

Helga Schmidt, intendente del Palau de les Arts, sabía muy bien lo que hacía cuando le contrató para Valencia. Además de sus condiciones fabulosas para la dirección era un maestro que se integraba muy bien en funciones de organización. Los pequeños festivales, que últimamente dirigía, eran modélicos y sus apariciones casi por sorpresa en lugares como recientemente en A Coruña serán difíciles de olvidar.

Para la historia quedarán su apabullante técnica, su carisma y su flexibilidad. En España, ha dejado para el recuerdo conciertos inolvidables. En particular, en Valencia, seleccionó y consolidó una orquesta de primera línea mundial. El admirado director de orquesta Alberto Zedda, que trabajó con él allí, dijo en cierta ocasión: “He conocido directores buenos y muy buenos. Pero que puedan alcanzar la genialidad en un día inspirado a nadie como a Lorin Maazel”. Pues eso. Descanse en paz. Siempre le recordaremos, maestro.

El País | Juan Ángel Vela del Campo –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL / COMUNIDAD VALENCIANA

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Cinco canciones de Henry Mancini que te pondrán de buen humor

En el 20 aniversario de la muerte del compositor estadounidense recordamos algunas de sus mejores piezas: de ‘La pantera rosa’ a ‘Moon river’

Hace dos décadas (el 14 de junio de 1994) fallecía Enrico Nicola Mancini, tipo elegante y músico inspirado. Era estadounidense, de Cleveland, y contaba 70 años cuando un cáncer de páncreas se lo llevó por delante. Mancini no era un personaje dado a los aspavientos: de su vida íntima ha traslucido más bien poco. Como soldado, participó en la liberación de un campo de concentración alemán en 1945. Como civil, se casó con la mujer que sería su pareja durante 43 años. Como autor, fue rechazado por Hitchcock para la banda sonora de Frenesí (1972). Seguramente le importaría un comino: para entonces, Mancini había escrito las partituras de más de una docena de piezas históricas. (…)

El País | Tito Lesende –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Muere el director de orquesta Rafael Frühbeck de Burgos a los 80 años

Considerado como el español más prestigioso en su campo, en la actualidad era titular de la Orquesta Sinfónica de Dinamarca y director emérito de la Orquesta Nacional de España.

El maestro Rafael Frühbeck de Burgos ha fallecido este miércoles en Pamplona a los 80 años a causa de un proceso canceroso que había obligado a su hospitalización en una clínica de esa ciudad el pasado 13 de abril, han informado a EFE fuentes próximas a la familia. El director, fallecido poco antes de las nueve de la mañana, había tenido una actividad incansable hasta el pasado 15 de marzo, cuando sufrió un vahído mientras dirigía a la Sinfónica de Washington, en el Kennedy Center de la capital estadounidense. Frühbeck empezó a mostrar signos de cansancio a las dos horas de dirigir y cuando faltaban diez minutos para que concluyera ‘Pini di Roma’, de Respighi. (…)

El Periódico | EFE –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / ESPAÑA / INTERNACIONAL

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Fallece Frühbeck de Burgos, un Marco Polo a la búsqueda de la música eterna

El maestro Rafael Frühbeck de Burgos falleció ayer en Pamplona a los 80 años a causa de un proceso canceroso que había obligado a su hospitalización. El director había tenido una actividad incansable hasta el pasado 15 de marzo, cuando sufrió un vahído mientras dirigía a la Sinfónica de Washington. Frühbeck empezó a mostrar signos de cansancio a las dos horas de dirigir y cuando faltaban diez minutos para que concluyera “Pini di Roma”, de Respighi. Se apoyaba cada vez más en la barandilla del podio y pareció que se iba a caer, aunque consiguió recuperarse y concluir, ya sentado, la pieza, y luego levantarse para recibir la ovación del público.

Rafael Frühbeck de Burgos gozó de la misma fama que coetáneos como Maazel, Abbado o Mehta, gracias a una carrera internacional de excelente arquitectura, rigor y “chispa”, defendida con tanto tesón como “la marca” España, que “predicó” cuando el país no era musicalmente más que una entelequia. De verbo brillante y fuerte carácter, el director que más veces se ha puesto al frente de la Orquesta Nacional de España (ONE), en torno a 500, presumía de nacionalidad y contaba complacido el porqué de su apellido, a la vez que aprovechaba la circunstancia para hacer una defensa cerrada del potencial del talento musical español, con el que años de “dejadez educativa” no habían conseguido “acabar”. (…)

Faro de Vigo | Concha Barrigós –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / ESPAÑA / INTERNACIONAL

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El temible carácter de un gran director de orquesta

Fallece a los 90 años Franz-Paul Decker, el músico que transformó la OBC.

Era capaz de detener la orquesta en pleno concierto, con gesto adusto acompañado de un taconazo prusiano, y para sorpresa del público, abroncar a los músicos de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC) por haber cometido un fallo que consideraba intolerable. Pero también era capaz, en ese mismo concierto, de hacer sonar de maravilla a la orquesta barcelonesa, de la que fue director titular entre 1986 y 1991. Ciertamente, tenía mal carácter Franz-Paul Decker, el venerable director de origen alemán nacionalizado canadiense que murió el pasado lunes a los 90 años. Decker transformó a la OBC en mucha mejor orquesta a base de exigencia y disciplina a lo largo de una relación tormentosa: durante el descanso en la transmisión de un concierto de la temporada de la OBC a través de Radio Clásica (RNE), dio por concluida la entrevista tras contestar con dos monosílabos dejando plantado al locutor, alegando que no estaba de humor para charlar. No le había gustado la interpretación y se alejó mascullando algún que otro improperio ante el pasmo de la audiencia. Genio y figura, sin duda, porque los antológicos enfados del Decker eran la respuesta incontenible de un músico cuyo nivel de rigor y exigencia profesional con los músicos no conocía límites. (…)

El País | Javier Pérez Senz –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / CATALUÑA

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Sinfonía de lágrimas por Abbado

La primera actuación de Claudio Abbado en el Festival de Lucerna se remonta a 1966. La vinculación del director de orquesta milanés con la ciudad suiza se ha mantenido desde entonces sin altibajos, pero cobró un papel fundamental a partir de 2003, con la creación a su medida de la Orquesta del Festival de Lucerna después de su salida de la Filarmónica de Berlín con un preocupante cáncer de estómago. Las imágenes televisivas del Réquiem de Verdi en 2001 hablaban por sí solas de la situación. Michael Haefliger, director del Festival, le invitó a instalarse en Lucerna con una orquesta solidaria, “de amigos” como a Abbado le gustaba decir. Tuvieron una cita en el restaurante Pfeferschiff a las afueras de Salzburgo y la utopía empezó a convertirse en realidad. La solidaridad de los músicos se puso en marcha para una cita veraniega que con el paso del tiempo fue ampliándose en pequeñas giras a comienzos del otoño a Viena, Roma, Nueva York, París, Tokio, Madrid y otras ciudades. Abbado vivió en Lucerna su década prodigiosa, interpretando lo que quería y, en particular, la integral de las sinfonías de Mahler, a excepción de la Octava. También subieron a los atriles obras significativas de Debussy, Wagner, Bruckner o Beethoven, entre otros, con el añadido de artistas tan queridos por el como Maurizio Pollini, Bryn Terfel, Renée Fleming o Radu Lupu. También el Orfeón Donostiarra participó en una ocasión en esta especie de sueño romántico. El último concierto fue el 26 de agosto de 2013 con la sinfonía “Incompleta” de Schubert y la “Novena” de Bruckner. Ya se veía que Abbado no estaba en su plenitud, pero pensaba que iba a recuperarse con un poco de descanso, para acudir a la cita de inauguración en octubre del auditorio modular disenado por Anish Kapoor en la zona de Japón castigada por el tsunami. Era un proyecto solidario y el programa iba a ser el mismo de Lucerna, con Schubert y Bruckner. El auditorio se inauguró, pero Abbado no pudo asistir. El 20 de enero de 2014 fallecía en Bolonia.

El concierto de gratitud de Lucerna a Claudio Abbado el pasado domingo tuvo cuatro partes. En la primera, los músicos de la Orquesta del Festival de Lucerna interpretaron sin director el primer movimiento de la Sinfonía Incompleta de Schubert. Allí estaban Alois Posch, Wolfram Christ, Reinhold Friedrich, Veronika Hagen y tantos otros incondicionales. De España había seis músicos. De Valencia -dos-, de Cartagena, de Huelva, de Burgos, de Valladolid. Con el corazón en la mano. Con lágrimas en los ojos. Lucas Macias Navarro, Josep Puchades, Vicent Alberola, Miriam Olga Pastor, Carlos del Ser, Alberto Menéndez: un ejemplo de las nuevas generaciones musicales españolas ganándose la vida al más alto nivel en las mejores orquestas europeas y manteniendo siempre el concepto solidario. Lucas Macías, oboe solista de la Royal Concertgebouw de Ámsterdam, escribía en el programa de mano: “Gracias Claudio por haber sido el Ángel de la Guarda de los jóvenes músicos. Gracias por enseñarnos que en la música, como en la vida misma, lo fundamental es escucharnos los unos a los otros”. Nadie aplaudió en Lucerna después del movimiento schubertiano. El silencio se manifestaba como la máxima expresión musical. (…)

El País | Juan Ángel Vela del Campo –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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Fallece Lluís Andreu, ex director artístico del Liceo y el Maestranza

“Si no tienes a una soprano de la categoría de Montserrat Caballé, no vale la pena montar Norma, mejor te olvidas del asunto y buscas otra ópera”. Así de claro hablaba Lluís María Andreu (Barcelona, 1934) sobre el aspecto que consideraba esencial en la elaboración de una temporada ópera. Y siguió a rajatabla esa filosofía artística durante su etapa como director artístico del Gran Teatro de Liceo de Barcelona (1981-1990), cargo que abandonó para asumir la gestión artística en 1991 del Teatro de la Maestranza de Sevilla. Andreu falleció este domingo en Barcelona y será enterrado mañana. (…)

El País | Javier Pérez Senz –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / CATALUÑA / ANDALUCIA

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Fallece Gerard Mortier, exdirector artístico del Teatro Real

Gerard Mortier, hasta ahora consejero artístico del Teatro Real de Madrid, ha muerto esta noche en Bruselas a los 70 años a consecuencia del cáncer que se le diagnosticó el pasado verano. Fuentes próximas a Mortier confirmaron a EFE su fallecimiento esta noche en Bruselas, “rodeado de amigos y familiares”. El consejero artístico del Teatro Real sufría un cáncer de páncreas desde el pasado verano, del que estaba siendo tratado en Alemania.

Mortier, de nacionalidad belga, fue director artístico del Teatro Real desde septiembre de 2010 hasta octubre de 2013, cuando fue sustituido por Juan Mataboch. El pasado 17 de febrero, Mortier se despidió públicamente del coliseo por medio de un correo electrónico enviado al presidente de su patronato, Gregorio Marañón, deseando a Mataboch “lo mejor” y con un expresivo, “¡viva el Teatro Real!”. (…)

Levante-EMV | EFE –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / MADRID / INTERNACIONAL

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El polémico renovador de la ópera

Gestor teatral belga y exdirector artístico del Teatro Real de Madrid, su objetivo era transgredir las convenciones para acabar con el estancamiento y la comodidad musical y suscitar así emoción y reflexión en el público

Gerad Mortier, gestor teatral belga y exdirector artístico del Teatro Real de Madrid, nacido en noviembre de 1943 en Gante, falleció anoche en Bruselas. Doctor en Derecho y diplomado en Prensa y Comunicación, su primer trabajo en el mundo operístico fue como asistente del director del Festival de Flandes. De 1973 a 1980 colaboró como director artístico del director de orquesta Christoph von Dhonanyi en las localidades alemanas de Dusseldorf, Fráncfort y Hamburgo. Después fue llamado por Rolf Liebermann y Hugues Gall para colaborar en la Ópera de París.

En 1981 fue nombrado director del Teatro Real de la Monnaie (Bruselas), y convirtió la capital belga en un referente del arte lírico en Europa. Para ello se rodeó de importantes nombres de la escena y de nuevos talentos, a la vez que organizó una atractiva programación.

Entre 1988 y 1989 intervino en la preparación del proyecto de la Ópera de la Bastilla en París y, en 1991, se hizo cargo de la dirección del Festival de Salzburgo, cargo en el que sucedió a Herbert von Karajan. Su gestión al frente del festival de la ciudad austríaca se distinguió por la renovación de la programación, la búsqueda de nuevas audiencias y la modernización del Festival. Durante las diez temporadas que estuvo al frente del Festival de Salzburgo logró importantes éxitos a pesar de las fuertes resistencias a las que hubo de hacer frente. (…)

Las Provincias | EFE –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / MADRID / INTERNACIONAL

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Muere Gerard Mortier, el gran agitador de la ópera contemporánea

El cáncer vence al controvertido intendente del Real que quiso colocar al teatro en la ‘premier ligue’ de la lírica mundial. Dirigió las óperas de París, Nueva York y Bruselas tendiendo con osadía puentes entre la tradición y el futuro. El estreno mundial de ‘Brokeback Mountain’ tras un fastuoso ‘Tristán e Isolda’ fue su testamento.

Gerard Mortier era uno de los verdaderamente grandes de su oficio. Acaso un Schummacher o un Mourinho de la ópera, tan osado, desafiante y controvertido como el piloto alemán o el entrenador luso. El cáncer de páncreas diagnosticado el verano pasado le venció el domingo en su Bélgica natal, donde regresó tras buscar en Alemania refugio, tratamiento, paz y distancia del barullo y la lucha de poder que enrareció sus últimos meses en el Real, teatro del que fue destituido en 2013, tras cuatro años como intendente y máximo responsable artístico, seguía ligado a la casa en calidad de consejero artístico. Ha sido Mortier el gran agitador de la ópera contemporánea, una figura clave que desafió convenciones y reticencias para conectar la tradición con el futuro. Murió en Bruselas “rodeado de amigos y familiares”, según fuentes de su entorno. (…)

Las Provincias | Miguel Lorenci –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / MADRID

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Paco de Lucía, el genio que extendió el duende flamenco por el mundo

Tocaor estratosférico, compositor fecundo e imaginativo, tímido pero sublime e infatigable embajador de la cultura española, Paco de Lucía fue un músico universal, el guitarrista que refundó el toque flamenco y lo subió a las más altas cimas artísticas haciéndolo crecer y evolucionar y mezclándolo con otras músicas de raíz, como la bossa nova, el jazz o el blues, a las que él llamaba “las músicas de la nevera vacía”.

Payo de nacimiento, pero gitano de alma, Francisco Sánchez Gómez, que ha fallecido repentinamente en una playa de México a los 66 años, aprendió a rasguear la guitarra por pura necesidad, al mismo tiempo que empezaba a hablar, cuando vivía en el barrio caló de Algeciras, La Bajadilla. “Estábamos hambrientos y mi padre no sabía qué hacer para sacarnos adelante”, solía contar. “Los flamencos, como todos los músicos de las músicas de raíz, siempre hemos tenido la nevera vacía”.

Su madre portuguesa, Luzia Gómez, dio nombre a la estirpe. Y su padre, Antonio Sánchez, fue el férreo y emprendedor productor que supervisó la carrera y la revolución flamenca que Paco de Lucía, solo y sobre todo junto a su inseparable Camarón de la Isla, cantaor legendario, montó en los años sesenta y setenta al despachar una decena de discos que marcarían el futuro del flamenco. (…)

El País | Miguel Mora –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / ANDALUCIA / INTERNACIONAL

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Gerd Albrecht, un rebelde ante el atril

Gerd Albrecht (Essen, Alemania 1935), director de orquesta de amplias miras musicales cuya carrera estuvo acompañada por frecuentes polémicas extraartísticas, falleció el pasado 2 de febrero en Berlín a los 78 años. Albrecht dirigió el estreno mundial de incontables partituras contemporáneas y revitalizó la obra de compositores desplazados del repertorio habitual, como Franz Schreker (1878- 1934) o Alexander Zemlinksy (1871- 1942). Destaca también su labor para difundir la música de compositores víctimas del Holocausto, como el austríaco Viktor Ullmann o los checos Hans Krasa, Gideon Klein o Pavel Haas, todos ellos asesinados en Auschwitz, o el también checo Erwin Schulhoff, muerto unos años antes en el campo de Wülzburg. (…)

El País | J.A. –LEER AQUI LA NOTICIA DE MUSICA / INTERNACIONAL

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